Cristina De Biasio - Artista - Suas obras


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As 10 obras de arte mais comentadas nos últimos vinte anos

As dez obras que marcaram a arte do novo milênio.

Obras de arte sempre fizeram com que as pessoas discutissem, criassem divergências, perturbassem a opinião comum ou se chocassem com as diretrizes dos poderes dominantes ou os costumes de uma sociedade, lançando raios em céus claros ou acendendo luzes onde a escuridão reina suprema, oferecendo uma esperança de visão, uma possibilidade de salvação emocional. Apenas lembra-te A origem do mundo por Gustave Courbet (1866), la Fonte por Marcel Duchamp (1917), Guernica por Pablo Picasso (1937), A merda dartista de Piero Manzoni (1961), as fotografias de Nan Goldin e muitas, muitas outras obras que lançaram visões nunca antes imaginadas.

Então, quais são as dez obras que causaram mais discussão ou que foram particularmente significativas nos últimos vinte anos?


Índice

  • 1 biografia
    • 1.1 Nascimento e formação
    • 1.2 As primeiras comissões importantes em Veneza
    • 1.3 A reunião com Joseph Smith
    • 1.4 Transferência para a Inglaterra
    • 1.5 O retorno a Veneza e os últimos anos
  • 2 críticas
  • 3 obras principais
    • 3.1 Início
    • 3.2 período maduro
    • 3,3 pinturas inglesas
    • 3.4 Nos últimos anos
  • 4 notas
  • 5 Bibliografia
  • 6 Outros projetos
  • 7 links externos

Nascimento e treinamento Editar

Ele nasceu em Veneza por Bernardo Quondam Cesare Canal e Artemisia Barbieri. Havia uma família do Canal atribuída ao patriciado, mas quase certamente não tinha nenhum vínculo com a de Giovanni Antonio que, no entanto, era de ascendência rica [1]. O apelido de "Canaletto" foi dado a ele para distingui-lo de seu pai, que também era pintor (de cenários teatrais), ou talvez por sua baixa estatura [1].

Foi através do pai que o jovem Giovanni Antonio se iniciou na pintura. Assim como o pai, o irmão mais velho, Cristoforo, também lida com a pintura de cenários de teatro. Antonio passa assim a colaborar com o pai e o irmão e as primeiras encomendas, em 1716, dizem respeito à criação dos cenários de algumas obras de Antonio Vivaldi. Entre 1718 e 1720 o jovem mudou-se, juntamente com Bernardo e Cristoforo, para Roma para criar as cenas de duas peças teatrais de Alessandro Scarlatti.

A viagem a Roma foi decisiva para Giovanni Antonio Canal, pois teve os primeiros contactos com os pintores paisagistas de Roma. Em particular, seus modelos de referência são três artistas importantes que experimentaram o gênero da vista: o primeiro é Viviano Codazzi, que Antonio não pode conhecer em vida porque morreu em 1670, o segundo é Giovanni Paolo Pannini, famoso por suas vistas fantásticas, muitos deles inspirados nas antiguidades romanas, e o terceiro é Gaspar van Wittel, holandês, considerado um dos pais da pintura de paisagem.

No entanto, não é possível atribuir um peso mais ou menos importante a cada um dos três: é certo que o jovem Canal retira ideias e sugestões consideráveis ​​das obras dos referidos artistas e, entretanto, continua a aperfeiçoar a sua técnica. As primeiras obras que lhe são atribuídas remontam aos anos da sua estada em Roma (embora não haja grande certeza): a Santa Maria d'Aracoeli e o Capitólio e a Templo de Antonino e Faustina, obras nas quais Giovanni Antonio Canal começa a se familiarizar com o gênero da vista, como se pode verificar pela impecável representação em perspectiva.

As primeiras encomendas importantes em Veneza Editar

De volta à sua cidade natal, Canaletto faz contatos com os paisagistas venezianos, entre os quais se destacam os nomes de Luca Carlevarijs e Marco Ricci e passa a se dedicar em tempo integral à pintura de paisagens: quatro importantes obras datam do início dos anos vinte do século XVIII. . então se tornou parte das coleções da realeza de Liechtenstein: o Grande Canal em direção à ponte Rialto, uma pintura brincou com os contrastes entre luz e sombra, o Bacia de San Marco de Giudecca, 1 Praça de São Marcos que representa uma das primeiras criações da praça que mais tarde será um dos temas preferidos de Canaletto, e o Rio dei Mendicanti, interessante como uma obra que retrata um bairro popular, em que viveu um de seus parentes Gaspare di Francesco da Canal com quem se casou em 1709 com Anzola del Pio Loco della Pietà, aluno de Antonio Vivaldi. As duas primeiras obras assinadas datam de 1723 e a data é certa: são duas Caprichos, ou seja, representações de elementos retirados da realidade juntamente com elementos de fantasia, ambos preservados em coleções particulares.

Graças à sua notável habilidade e à sua técnica, que no espaço de alguns anos progrediu muito, Canaletto conseguiu rapidamente tornar-se um dos pintores de maior sucesso de Veneza e, durante a segunda metade dos anos 20, para ele o as comissões começam a aumentar. Um dos primeiros clientes importantes foi o comerciante de Lucca Stefano Conti que, por mediação do pintor Alessandro Marchesini, encomendou a Canaletto a realização de quatro obras, incluindo uma vista do Campo Santi Giovanni e Paolo. A primeira composição comemorativa do artista data de 1727, a Recepção do embaixador da França no Palácio Ducal, preservado no Museu Hermitage de São Petersburgo: é o primeiro de uma longa série de obras que, descrevendo as festas da República de Veneza, conseguem dar uma imagem do luxo e do esplendor das celebrações da Sereníssima.

Outro cliente importante de Canaletto nos últimos anos é o marechal de campo Johann Matthias von der Schulenburg, que também serviu para a República de Veneza e reformou seu exército. Apaixonado pela arte, em sua residência em Ca 'Loredan, às margens do Grande Canal, colecionou uma importante coleção que incluía obras de artistas como Rafael, Correggio, Giorgione, Giulio Romano e outros. Schulenburg encomendou a Giovanni Antonio Canal algumas obras, incluindo uma vista de Corfu, para comemorar a vitória obtida pelos alemães na ilha grega contra os otomanos, e um Riva degli Schiavoni agora mantido no Museu de Sir John Soane [2] em Londres.

Muitas obras criadas por Canaletto durante a primeira fase da sua carreira, ao contrário dos hábitos da época, foram pintadas "da vida" (e não a partir de esboços e estudos tirados no local e depois retrabalhados no atelier do artista). Alguns de seus trabalhos posteriores voltam a esse hábito, sugerido pela tendência de figuras distantes serem pintadas como respingos de cor - efeito produzido pelo uso da câmera obscura, que embaça objetos distantes. No entanto, as pinturas de Canaletto sempre se destacam pela grande precisão.

Reunião com Joseph Smith Editar

Tendo adquirido considerável fama, Canaletto começa a ser notado pelos clientes ingleses: durante o século XVIII, Veneza era muito popular entre os jovens da aristocracia britânica que faziam seu Grand Tour, do qual a cidade lagunar era uma das paradas favoritas. Canaletto teve seus primeiros contatos com clientes ingleses com o apoio de Owen McSwiny, empresário teatral e negociante de arte irlandês. Além das vistas, no final da década de 1920 Canaletto passa a experimentar o gênero das representações celebratórias, entre as quais se destaca uma das obras-primas mais famosas do artista neste período. O Bucintoro al Molo no Dia da Ascensão, datado de 1729 e agora mantido no Castelo de Barnard, na Inglaterra. A obra retrata aquela que talvez tenha sido a festa mais sentida pelos venezianos, que é o casamento do mar, que acontecia todos os anos no dia da Ascensão. Na pintura, o artista retrata o retorno do Bucintoro ao Palácio Ducal, com o grande barco de desfile rodeado pelos barcos da procissão. As pinturas comemorativas de Canaletto são muito espetaculares e oferecem um testemunho tangível do esplendor das celebrações da Sereníssima, que continuou a embalar-se no seu esplendor, apesar de estar a passar por um declínio irreversível, que teria terminado, em 1797, com o fim do milênio. independência da República.

Nesse ínterim, Giovanni Antonio Canal entra em contato com Joseph Smith, personagem que mais tarde se mostrou decisivo para a carreira do artista. Smith, um colecionador de arte muito rico e então cônsul britânico em Veneza entre 1744 e 1760, tornou-se o principal intermediário entre Canaletto e os colecionadores ingleses. Smith foi inicialmente cliente do pintor, um dos mais ricos e, por isso, durante os primeiros anos da sua relação, Canaletto também criou para ele algumas obras, como a Regata no Grande Canal e um sugestivo Interior de San Marco à noite (uma das poucas pinturas noturnas da produção do artista): são duas obras comemorativas, que datam do início dos anos trinta e hoje preservadas nas coleções da realeza da Inglaterra.

Assim Smith, depois de ser cliente do artista, desempenha para ele o papel de "patrono" e intermediário com a abastada clientela inglesa: isto também para facilitar as relações, visto que, segundo as fontes da época, Canaletto não tinha um caráter particularmente acolhedor. A atividade de Joseph Smith atinge seu auge durante a segunda metade da década de 1930: nobres importantes como o conde de Fitzwilliam, o duque de Bedford, o duque de Leeds e o conde de Carlisle começam a solicitar as pinturas de Canaletto.

Trabalhos importantes como O Doge na festa de San Rocco, outra obra de caráter comemorativo, preservada na National Gallery de Londres, e outra vista da Praça de São Marcos, preservada em Cambridge, nos Estados Unidos, interessante porque permite uma comparação direta com a vista que pertenceu à realeza de Liechtenstein e assim permite conhecer os avanços feitos por Canaletto em cerca de dez anos. Outros trabalhos, feitos para clientes ingleses, são os Riva degli Schiavoni ao leste, que remonta a cerca de 1738-40 e preservado nos museus do Castello Sforzesco em Milão, uma vista da Piazza San Marco em direção ao sudeste preservada em Washington e uma vista do canto nordeste da praça principal de Veneza, preservado em Ottawa.

A mudança para a Inglaterra Editar

Por volta de 1740, o mercado de Canaletto foi drasticamente reduzido quando a Guerra da Sucessão Austríaca (1741-1748) levou a uma queda acentuada no número de visitantes britânicos em Veneza. Smith já não conseguia garantir o elevado número de clientes do passado, também porque agora todos os clientes ingleses mais importantes que frequentavam Veneza tinham adquirido um grande número de obras do Canal Giovanni Antonio. Joseph Smith, portanto, não foi mais capaz de garantir-lhe comissões e em 1746 Canaletto decidiu se mudar para Londres: o artista escreveu uma carta ao seu primeiro "agente", Owen McSwiny, pedindo-lhe que o apresentasse ao Duque de Richmond, que entre outros já tinha sido cliente da Canaletto durante a década de 1920.

A rotatória de Ranelagh (1754, Londres, National Gallery)

Canaletto começou então a construir relacionamentos com seus novos clientes, entre os quais estavam o príncipe boêmio Johann Georg Christian von Lobkowitz e o nobre inglês Hugh Percy, futuro duque de Northumberland. Aceito com desconfiança inicial, conseguiu ainda receber várias encomendas da aristocracia inglesa: entre as obras destes anos destacamos Badminton Park de Badminton House, de 1748, feito para Charles Somerset, quarto duque de Beaufort.

É uma pintura interessante porque mostra um Canaletto diferente: se de fato o artista costumava pintar as vistas urbanas de uma Veneza cheia de prédios e de gente ocupada, na Inglaterra Canaletto passa a retratar as típicas paisagens calmas sem arquiteturas complexas de os mouros ingleses. Algumas pinturas como Warwick Castle, feito para Francis Greville Brooke, futuro duque de Warwick, e algumas vistas do Tamisa, em que o pintor pode usar os artifícios que usou para representar os canais e bacias de Veneza.

Também interessante é uma pintura preservada na Abadia de Westminster que retrata a própria abadia com a procissão dos cavaleiros da Ordem do Banho: é uma pintura para fins comemorativos em que Giovanni Antonio Canal pode usar sua experiência adquirida na pintura das festas luxuosas de a República de Veneza. Depois de ter interrompido a sua estada inglesa pela primeira vez em 1750 e pela segunda vez em 1753, Canaletto regressa a Londres e estabelece relações com Thomas Hollis, um dos clientes mais importantes do período inglês: para ele o artista pinta o Walton Bridge é O interior da Rotunda Ranelagh, este último dos raros interiores feitos pelo pintor.

O retorno a Veneza e os últimos anos Editar

Canaletto retorna à sua cidade natal entre 1756 e 1757 para nunca mais se mover. As últimas encomendas de prestígio são as do comerciante alemão Sigismund Streit e as da "Solenidade dos Doges". Para o primeiro, um cliente muito exigente, o artista realiza algumas pinturas incluindo dois evocativos noturnos, os Vigília noturna em San Pietro di Castello e a Vigília noturna no arzere de Santa Marta, ambos preservados na Gemäldegalerie em Berlim e ambos datados de um período entre 1758 e 1763. Eles estão entre os poucos produtos noturnos produzidos por Giovanni Antonio Canal e retratam os destaques de duas importantes celebrações: o povo festivo nos barcos e no as margens são iluminadas apenas pela luz suave da lua. Para as solenidades do Doge, o artista cria um ciclo de desenhos concluído em 1766.

Na última fase de sua trajetória, Canaletto aprofunda o tema do capricho, já abordado na juventude: importante nesse sentido é o famoso Capriccio Palladiano, preservada na Galeria Nacional de Parma e datada de um período entre 1756 e 1759: é uma vista do bairro de Rialto com a ponte representada segundo o projeto de Andrea Palladio e com a Basílica Palladiana de Vicenza. A obra combina elementos reais (o bairro de Rialto) com elementos igualmente reais mas localizados em outro lugar (a Basílica de Vicenza) e elementos de fantasia (a Ponte de Rialto segundo o projeto Palladiano), e também é interessante porque permite ver como seria teria sido o distrito de Rialto se tivesse sido escolhido o projeto de Andrea Palladio e não o de Antonio da Ponte.

Em 1763 Giovanni Antonio Canal foi nomeado membro da Academia Veneziana de Pintura e Escultura, e a partir desse momento não há mais informações seguras sobre sua atividade: é provável que tenha continuado a pintar até sua morte, que ocorreu em abril 19 1768, após "longo mal compassivo" - observa Gradenigo em Notadores - em sua casa em Corte della Perina, que ainda existe, rodeada pelo carinho de sua família, e foi sepultada na igreja de San Lio em Veneza, diz a tradição que seu túmulo está localizado sob o chão da Cappella do século XV Gussoni, na Igreja de San Lio (Pelusi, 2007).

Nesse ínterim, nestes anos, Joseph Smith vende grande parte de sua coleção para o Rei George III, que tem a oportunidade de criar a base para a grande coleção de pinturas de Canaletto pertencente à Royal Collection. Existem muitas das pinturas do artista em outras coleções britânicas, incluindo a Wallace Collection em Londres, além de um conjunto de cerca de vinte obras no Dining Room of Woburn Abbey, Bedfordshire.

A fortuna crítica de Canaletto passou por fases alternadas: houve e há críticos que o apreciam incondicionalmente, enquanto há outros que se expressaram de forma pouco terna em relação a ele. Isso porque, segundo alguns, Canaletto nada mais é do que um "pintor-fotógrafo", um reprodutor mecânico da realidade circundante (Cottino, 1991).

O primeiro a opinar sobre ele é Anton Maria Zanetti, um estudioso veneziano: em uma de suas obras de 1733, intitulada Descrição de todas as pinturas públicas da cidade de Veneza e das ilhas vizinhas, Zanetti define Canaletto como pintor de vistas, a quem, na inteligência, no gosto e na verdade, poucos do passado e nenhum dos presentes se aproximam. Outro contemporâneo, Charles de Brosses, diz em seu Cartas familiares de 1739 que a especialidade de Giovanni Antonio Canal é pintar as vistas de Veneza neste gênero ultrapassa tudo o que já existiu. Seus modos são luminosos, alegres, vivos, transparentes e admiravelmente meticulosos.

Luigi Lanzi em seu famoso História pictórica da Itália de 1831, diz o artista usa alguma liberdade pitoresca, mas com sobriedade e de forma que o espectador comum encontre a natureza e os intendentes percebam arte nela., arte que segundo Lanzi o Canaletto possuído em grau eminente. O século XIX prova ser o século em que a fortuna crítica do artista cai para "baixos históricos": a arte de Canaletto em particular é literalmente esmagada por John Ruskin em sua obra Pintores modernos, emitido em quatro edições (a primeira é de 1843. Ruskin diz: O maneirismo de Canaletto é o mais degradado que conheço em todo o mundo da arte. Exercendo a imitação mais servil e tola, ela imita nada além do vazio das sombras e oferece ornamentos arquitetônicos individuais, por mais exatos e próximos [. ]: este é um pintor pequeno e ruim.

Niccolò Tommaseo, em sua obra Beleza e civilização a partir de 1857, ele propõe um retrato singular do pintor veneziano, tentando não se desequilibrar: negar elogios a tal artista, que viveu em tempos tão miseráveis, que quando a arte pereceu em todos os lugares, ele acrescentou uma nova coroa à Itália, seria injustiça, mas oprimir em elogios, e o que ele tocou, para dizer o mais alto da arte , seria uma tolice. Tommaseo conclui dizendo que Canaletto, um artista talentoso, é apenas uma parte do artista: isso porque de acordo com Tommaseo a arte nasceu para não ser um imitador da arte [. ] mas para ilustrar a natureza e renová-la com carinho generoso. Tommaseo tenta dar a Canaletto o mérito de ter sido um artista sincero em tempos corruptos, mas mesmo assim sublinha todos os limites da pintura de paisagem, especialmente as vistas arquitetônicas (Pelusi, 2007).

Gino Damerini, na monografia de 1912 dedicada a Francesco Guardi, reconhece a superioridade deste sobre Canaletto: Olha, de fato, ele se apodera do nosso espírito quando nosso espírito já acha Canaletto antiquado ou excessivamente rígido. A interpretação de Gino Fogolari é mais positiva do que na ópera O século XVIII italiano de 1932 diz que ao dar sentido às vistas e ao recorte do quadro e da perspectiva, ele é um construtor, assim como é um poeta da luz por reter toda a claridade solar à distância..

A partir da segunda metade do século XX, as opiniões sobre a arte de Canaletto começaram a se tornar cada vez mais positivas, a partir de Roberto Longhi que em 1946 o chamou o grande canal antônio. Em 1967, Pietro Zampetti, na ópera Pintores de paisagem venezianos do século XVIII, descreve Canaletto como o primeiro verdadeiro pintor de paisagens, devido à sua nova força e ao seu novo sentido da natureza: finalmente nasce a visão pura, a realidade franca e sincera, o significado das coisas escrutinadas em sua essência mais verdadeira e profunda. Além disso, muitos historiadores da arte começaram recentemente a se distanciar da crítica que vê Canaletto como um "pintor-fotógrafo": por exemplo, em 1974 André Corboz diz que A superestimação de Canaletto do valor "objetivo" foi consequência de uma mentalidade positivista cujas inadequações há muito foram sublinhadas pelos críticos. A linha que avalia o rigor da perspectiva de Canaletto em tom positivo também encontrou confirmação nos desenvolvimentos mais recentes da crítica: o rigor de um quadro de perspectiva preciso, um espaço livremente compreendido, preciso nos detalhes mas não fiel à verdade, uma pintura dissolvida num sopro de poesia muito pessoal são as características da arte de Canaletto de acordo com Alessandro Bettagno (Canaletto primeira via, 2001).

Gérard Genette (O pátio do pedreiro, 2005), identifica dois níveis em Canaletto: um "primeiro nível", aquele dos motivos mais óbvios e imediatos de admiração - por exemplo, a principal sedução do objeto pintado: paisagem "bela", modelo fascinante - e um segundo, aquilo que diz respeito a um objeto que nada significaria para a admiração estética, a priori e independentemente do fato de o pintor o reproduzir por meio de seu próprio tratamento pictórico. O "caráter secundário" específico de Genette, que prefere a "Oficina de Mármores de San Vidal" ao "Retorno do Bucintoro", depende do caráter secundário geral que consiste em preferir, em qualquer caso, aos objetos imediatamente sedutores o que Arthur Danto tem, em outra perspectiva, chamado de "transfiguração do banal", ou seja, a maneira como a arte do pintor se exerce e se manifesta sobre um objeto que o observador profano talvez julgasse menos digno de sua atenção e interesse (Pelusi , 2007).


Aqui está o link para ver os episódios de Leonardo no RaiPlay.

Diretor - Eu nasci pianista e continuo como artista! Por quê? Porque rompo os moldes e começo a viver os meus dias e a minha arte a 360 graus sem impor limites, barreiras e sobretudo deixando a fofoca e a crítica como um fim em si mesmo para os idiotas. Comecei uma nova vida aos 40, mas como se costuma dizer. Antes tarde do que nunca!!


Maurizio Cattelan: biografia

Maurizio Cattelan nasceu em Padua em 21 de setembro de 1960, de uma família de origens modestas: seu pai Paolo é caminhoneiro, sua mãe Pierina é faxineira. É filho único de quatro filhos (tem três irmãs: Luisella, Giada e Cristina). Depois de abandonar a escola e começar a trabalhar com apenas 17 anos para as necessidades familiares (embora possa se formar mais tarde), fazendo bicos como jardineiro ou eletricista, o artista se formou como autodidata Forlм é Bolonha na década de oitenta, atendendo os ambientes deAcademia de Belas Artes da capital emiliana mesmo sem frequentar as aulas e sem matricular-se em cursos. Na verdade, porém, Cattelan não recebe treinamento tradicional: em vez disso, estude e aprenda observando. Ainda na década de 80, em Forlм, o artista começou a trabalhar na concepção e produção de móveis de madeira. Sua estreia "artística" ocorre relativamente tarde: o primeiro trabalho, Sem titulo, é de 1986 e é uma espécie de "reinterpretação" dos cortes de Fontana (com os cortes dispostos a formar uma espécie de Z do Zorro), e a partir de 1989 uma obra fotográfica intitulada Family Lexicon pegando emprestado o título do conhecido romance de Natalia Ginzburg (и il primeiro dos incontáveis ​​autorretratos de Cattelan). Em vez disso, sua estreia em exposições remonta a 1991. Naquele ano, Cattelan conseguiu quebrar um Feira de Artes, a feira de arte moderna e contemporânea mais antiga da Itália, exibindo um "Estande Abusivo" onde vendia gadgets de um time de futebol fictício, o A.C. Forniture Sud. Ainda em 1991, a artista expôs pela primeira vez in modo. não abusivo, com o projeto Estádio na então Galleria d’Arte Moderna de Bolonha, hoje MAMbo (o projeto consistia num imenso matraquilhos onde podiam jogar onze jogadores de cada lado e organizava um jogo ao vivo no museu).

Em 1993 ele foi convidado para o Bienal de Veneza, onde ele já provoca o público com a obra Trabalhar é um trabalho ruim: na prática, Cattelan aluga o espaço reservado para ele a uma agência de publicidade. Na década de 1990, ele trabalhou em algumas obras famosas usando taxidermias (Bidibidobidiboo de 1996, ou o muito famoso Século vinte de 1997), para chegar a 1999 com a icônica obra-prima A nona hora, a escultura que representa o Papa João Paulo II atingido por um meteorito. Ainda no mesmo ano, pela ópera Um dia perfeito o artista cola o seu galerista Massimo De Carlo (que, aliás, terá de ser resgatado no final do atuação) Novamente, em 1999 ele é curador de uma falsa “Bienal do Caribe”, até mesmo criando um catálogo e organizando uma coletiva de imprensa (enquanto uma verdadeira abordagem curatorial chega em 2006, quando, junto com Massimiliano Gioni e Ali Subotnick, ele é curador da Bienal de Berlim).

Em 2001 Cattelan desconcertou o público da arte e não apenas ao criar a escultura Ele, que retrata Adolf Hitler com a intenção de orar de joelhos: a obra é leiloada pela Christie's por mais de 17 milhões de dólares. Ainda há um escândalo em 2004, quando o artista veneziano enforca um Milão, perto da Porta Ticinese, os manequins de algumas crianças enforcadas, e novamente em Milão, em 2010, instalou a obra AMOR., o famoso "dedo médio" em frente à bolsa de valores na Piazza Affari, com o dedo apontando não para a bolsa, mas desta última para a praça, portanto, para a cidade. Em 2010 o artista fundou a revista Papel higiênico, e no ano seguinte participou na Bienal de Veneza apresentando-se com dois mil pombos empalhados: no mesmo ano no Guggenheim de Nova Iorque realizou-se uma grande exposição com 130 das suas obras ligadas ao tecto. Em 2013, ele se tornou o protagonista de uma pegadinha na Academia de Belas Artes de Bolonha, que lhe rendeu o Prêmio Francesca Alinovi. O artista envia a dupla de quadrinhos de Os idiotas de sempre (Fabrizio Biggio e Francesco Mandelli) que dão origem a um atuação ridículo, despertando a indignação do crítico Renato Barilli, que havia indignado Cattelan até pouco antes da intervenção dos dois comediantes.

Entre as obras mais recentes de Cattelan estão as muito famosas América, um banheiro folheado a ouro 18 quilates exibido pela primeira vez no Guggenheim em Nova York e roubado em 2019 na Inglaterra enquanto em exibição em uma exposição no Palácio de Blenheim Eternidade, um cemitério provocante com os túmulos de artistas de toda a história da arte, incluindo o de Cattelan Comediante, a banana pendurada na parede com fita adesiva que sacudiu o mundo inteiro no final de 2019. Entre os prêmios recebidos, estão o Grau Honorário em Sociologia pela Universidade de Trento (2004), o Prêmio pelo Conjunto da Obra da XV Quadriennale d'Arte de Roma (2008) e o título de professor honorário em escultura da Academia de Belas Artes de Carrara (2017).

Maurizio Cattelan, Trabalhar é um trabalho ruim (1993)

Maurizio Cattelan, Um dia perfeito (1999)

Maurizio Cattelan, América (Ouro 18K 2016)

Maurizio Cattelan, Eternidade (2018)


O RENASCIMENTO EM 10 OBRAS DE ARTE

1. Piero della Francesca, Flagelação de Cristo, 1455-1460, Palácio Ducal de Urbino

Uma obra fascinante e misteriosa, onde a atenção de Piero della Francesca para o perspectiva e a geometria. Este grande artista renascentista foi também um matemático talentoso: devemos a ele o manual de cálculo intitulado Tratado sobre o ábaco, o De prospectiva pingendi e a De quinque corporibus regularibus.

A flagelação de Cristo então mantenha um enigma o que ainda não foi esclarecido: quem são os três personagens em primeiro plano? Há quem defenda que a interpretação do quadro está ligada aos acontecimentos políticos da época, mas não há uma certeza definitiva.

2. Mantegna, Cristo Morto, 1475-1478, Galeria de Arte Brera em Milão

Esta também é uma obra do início do Renascimento, que antecipa algumas características. Também neste caso, há um uso original da perspectiva, com o assunto tirado de um 'ângulo incomum o que dá ao espectador a impressão de estar participando diretamente da cena, como se estivesse aos pés de Cristo deitado.

Além disso, a obra é revolucionária porque dá uma representação sem precedentes do Cristo morto que nesta obra aparece como um ser humano comum morto a tiros, conforme evidenciado pelas feridas em primeiro plano. Está, portanto, muito longe das representações simbólicas de Cristo na época medieval.

3. Anônimo, A cidade ideal, 1480-1490, Galeria Nacional da Marche em Urbino

Se a obra de Piero della Francesca parecia misteriosa, ainda mais, principalmente porque o autor é desconhecido. É certo que se sabe que a obra foi criada no ambiente da corte Urbino de Federico da Montefeltro, frequentada por artistas como Piero della Francesca ou Francesco di Giorgio Martini.

O trabalho é um exemplo magistral do uso do perspectiva central aplicada a uma paisagem, chama a atenção também pela ausência de figuras humanas, como acontecerá séculos depois nas famosas praças metafísicas de outro grande artista italiano: Giorgio de Chirico.

4. Sandro Botticelli, Nascimento de Vênus, 1483-1485, Galeria Uffizi em Florença

É certamente uma das obras mais icônicas do Renascimento e uma das obras-primas da arte mundial. Admito que vê-lo ao vivo, com seus quase dois metros por três de tamanho, é algo que te deixa sem fôlego. Além da maestria com que Botticelli retrata o nascimento de Vênus, a obra chama a atenção porque parece conduzir o visitante a uma mundo ideal, onde a graça e a harmonia dominam.

Então, querendo ser exigente, é preciso dizer que Vênus, apesar de ser maravilhosa, não tem omoplatas nem esterno, o busto é muito longo e o umbigo é muito alto. Provavelmente, se ela fosse real, não sobreviveria por muito tempo (um pouco como a Barbie). Mas quem dá atenção a esses detalhes na presença de um rosto e de um olhar de beleza incomparável?

5. Michelangelo, David, 1501-1504, Galerias da Accademia em Florença

Também esta é uma obra icónica do Renascimento, também pelo seu significado: o pequeno que desafia o grande, a república que desafia a tirania. Hoje, com toda a probabilidade, está lá escultura mais famosa do mundo, mas na época houve uma acalorada disputa sobre sua localização, tanto que uma comissão foi constituída para discutir o assunto. Foi liderado por Leonardo, que propôs colocar o David sotto la loggia dei Lanzi, al coperto e protetta Michelangelo voleva invece che la statua fosse collocata ai piedi di Palazzo Vecchio, dove avrebbe goduto di maggiore visibilità.

Oggi l’opera di trova presso le Gallerie dell’Accademia, a Firenze. Ai piedi di Palazzo Vecchio, in piazza della Signoria è invece possibile ammirare una copia dell’opera.

6. Leonardo da Vinci, Gioconda, 1503-1504, Museo del Louvre a Parigi

Se il David è la scultura più famosa di sempre, di sicuro questo è il dipinto più conosciuto al mondo. È considerata una delle opere più importanti di sempre per almeno tre motivi: per l’enigmatico sorriso della Monna Lisa per la posa di tre quarti assolutamente originale per l’epoca, che conferisce dinamicità alla composizione per la cura del paesaggio sullo sfondo, reso con pennellate delicate e attente.

A proposito della Gioconda, voglio sfatare un mito: i francesi non hanno mai rubato quell’opera, la porto con sé lo stesso Leonardo quando lasciò l’Italia per andare a Parigi. Fu invece un italiano a rubare il dipinto nel 1911. Si chiamava Vincenzo Peruggia e commise il crimine per “patriottismo artistico”, come spiegò in tribunale.

7. Raffaello Sanzio, Sposalizio della Vergine, 1504, Pinacoteca di Brera a Milano

Il dipinto fu eseguito nel 1504 per la cappella di San Giuseppe nella chiesa di San Francesco a Città di Castello. È la prima opera firmata da Raffaello che scelse di apporre la firma in un luogo particolare: sull’arco che domina l’ingresso del tempo che vediamo sullo sfondo.

Nell’opera appare evidente la grande attenzione posta dall’artista alla prospettiva, evidenziata dalla grandezza diversa dei personaggi presenti all’interno del dipinto. Inoltre, è già evidente la ricerca della bellezza ideale, che sarà un tema ricorrente anche nelle opere successive del maestro urbinate.

8. Michelangelo, Volta della Cappella Sistina, 1508-1512, Musei Vaticani a Città del Vaticano

Si tratta di un’opera monumentale, che a vederla toglie il fiato. Michelangelo realizzò questo ciclo di affreschi dal 1508 al 1512 su incarico del papa Giulio II. L’artista realizzò l’opera a tempo record, se consideriamo che i dipinti coprono una superficie di 500 metri quadri!

Il dettaglio più celebre della volta è sicuramente La creazione di Adamo e il dettaglio degli indici alzati e delle braccia protese dei due protagonisti, diventati un’icona che ha travalicato il mondo dell’arte (ricordate i vecchi telefoni Nokia?).

9. Raffaello Sanzio, Stanza della segnatura, 1509-1511, Musei Vaticani a Città del Vaticano

Anche quest’opera fu commissionata da papa Giulio II. Raffaello aveva solo venticinque anni quando il papa lo convocò per affrescare le sue stanze. L’artista si mostrò all’altezza dell’incarico e decorò le stanze ispirandosi alle quattro facoltà delle università medievali: teologia, filosofia, poesia e giurisprudenza. Il risultato? Una delle opere più famose del Rinascimento.

Nell’opera Raffaello ha dato ad alcuni sapienti del mondo classico le fattezze dei più grandi artisti del suo tempo: Eraclito (aggiunto in un secondo momento) infatti somiglia moltissimo a Michelangelo, Platone a Leonardo da Vinci e Euclide a Bramante.

10. Tiziano, Amor sacro e Amor profano, 1514, Galleria Borghese a Roma

È uno dei capolavori del maestro veneto, che colpisce per l’uso sapiente dei colori e l’attenzione maniacale ai piccoli dettagli. Se scrutate il dipinto con attenzione ne troverete parecchi: piccoli racconti nel racconto.

L’artista dipinge due donne identiche tra loro per fisionomia ma diverse per abiti ed atteggiamento. Una infatti è quasi nuda (l’Amor profano), l’altra è completamente vestita (l’Amor sacro). Una delle chiavi interpretative dell’opera vede in questa somiglianza/differenza la rappresentazione della dualità dell’amore, al contempo divino e carnale.


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